El infierno

Hay un momento de la carrera de un artista en el que toda su investigación fragua en una obra redonda y contundente. Luego de experimentar y obtener logros en diversas direcciones, los resultados le sorprenden con la satisfacción de una pieza o varias que sintetiza o sintetizan  lo que tanto tiempo anduvo  buscando. La serie El infierno, de Dadne Agustín Carbonell Fiol (1973) cristaliza toda una etapa de su trabajo, resume y materializa las intenciones que ya manifestaba en series anteriores. 

El artista no elige ese momento, y tampoco obedece a una lógica simple con relación a las horas trabajadas; en la creación artística no hay garantías. Joseph Kosuth nunca superó su One and Three Chairs (Una y tres sillas), obra que dio inicio al conceptualismo, aunque luego trabajó con más madurez, aquella pieza de su juventud fue su mayor aporte a la Historia del Arte. Rafael Sanzio fue otro ejemplo de precocidad mientras que Vincent van Gogh empezó a dibujar con 27 años. Si el tiempo de trabajo fuese una garantía entonces no tuviésemos ejemplos como estos. Al parecer no se trata de tiempo, sino de intensidad. 

Dadne Agustín ha desarrollado en su fotografía un camino cada vez más propio, y ahora, misteriosamente, logra lo que es —en su opinión—la serie más madura que ha realizado. Y podemos ver con claridad que este logro no obedece únicamente al aspecto formal sino a la fortaleza contenidista de las imágenes y su muy elevado —y sobre todo nada panfletario— compromiso social.

El artista se opone a lo binario y a cualquier forma de segregación. Aquí se aplica la Ley de la unidad y lucha de contrarios,  aseveración de que todo lleva implícito contradicciones internas, pero que las mismas son la fuente del proceso de desarrollo. Armonizar el blanco con el negro, en un delicioso y a la vez lúgubre ambiente de sedas y elegancia, parece hablarnos de la unidad dinámica que existe entre los opuestos y que caracteriza la dialéctica. 

Lo andrógino de sus modelos aporta a su obra la belleza exótica que los caracteriza y contribuye a la intención del fotógrafo con respecto a armonizar los polos opuestos. Es de destacar también que no estamos ante cuerpos musculosos y «perfectos» salidos de un gimnasio; son cuerpos hermosos por su individualidad y por estar lejos de lo que los cánones exigen. 

Es de enorme importancia en esta serie la textura de las superficies, el claroscuro de los fondos que nos remite a la pintura tenebrista. Hay algo aquí de aquel dramatismo que aplicaba Caravaggio en sus tonalidades sienas de clave oscura. Aquel importante artista también observaba de cerca sus modelos y combinaba el uso de fuertes rayos de luz con sombras por momentos cortantes, por momentos suaves. La gama de colores utilizada en estas fotografías también recuerda a artistas como él o José de Ribera. Dadne, como estos y otros maestros de la pintura, sabe encontrar la belleza donde la sociedad solo ve fealdad, sabe encontrar el Paraíso donde la sociedad solo ve el Infierno.