Bellas Artes
EL SER INFINITO
Proyecto de exposición en el Centre Cívic Barceloneta. Del 6 al 29 de junio
Por: Redacción
ARTÍCULO. (Versión digital)
La representación de la figura humana a través de la Historia del Arte ha experimentado cambios significativos en diferentes períodos y culturas. En el siglo XX, la representación de la figura humana se vuelve más abstracta y experimental. Con el surgimiento de movimientos artísticos como el cubismo, el surrealismo y el expresionismo, los artistas comienzan a explorar nuevas formas de representar el cuerpo humano, utilizando colores, líneas y formas no convencionales.
Esta exposición es un asomo a la inmensa variedad de formas en las que es representado hoy en día el ser humano. A diferencia de las uniformidades propias de los movimientos modernos, a diferencia de las posiciones sectarias de las vanguardias artísticas, los artistas de nuestro tiempo aprovechan toda esa herencia cultural para tomar caminos individuales en la representación de la figura humana.
La muestra ha sido organizada por la revista ARTEPOLI, que ya comienza a reflejarla en sus páginas. He aquí algunas de las obras expuestas y un breve comentario sobre sus autores. En el próximo número continuaremos plasmando en nuestras páginas esta amplia muestra internacional, de artistas cuyas obras tienen como protagonista al ser humano.
ORLANDO RODRÍGUEZ BAREA:
En la reciente serie de Barea, la figura humana emerge con prominencia, asumiendo un papel central en el lienzo. Persistente en su narrativa artística, Barea mantiene la esencia surrealista que define su estilo, sin embargo, en esta serie, es el hombre, en su plena estatura, quien se convierte en el eje de la composición. Los personajes, más contemplativos que físicos, con una expresión pensativa y una interacción casi filosófica con las máquinas de estética renacentista, dominan la escena. La obra de Barea trasciende el tiempo, invitando a la reflexión mediante una paleta de colores meticulosamente seleccionada y la creación de atmósferas que son tan precisas como evocadoras.
RICKY FREIJO:
Tal como dice el reconocido crítico asturiano Gregorio Vigil-Escalera «El color que refrenda el espíritu y materia de esas cabezas “faciales” tiene una viveza contemporánea que es la clave de su núcleo original, de su secreto y su enigma, que incluso puede llegar a la transformación de formas e imágenes. Ricky lo ha codificado de manera que diversas gamas cromáticas se raspan y rallan, se quedan blancas o se deslizan y son acometidas por ráfagas. Como también pulsa la utilización de otros recursos. Con todo ello, con esa factura del dibujo de total solvencia y con los tintes luminosos, esos óvalos agrandados seguirán siendo el numen de criaturas y seres a los que evolutivamente vamos comprendiendo sin el horror a cuestas».
YODANIS CALDERÓN:
En sus obras, Yodanis Calderón logra plasmar la complejidad de la condición humana a través de rostros llenos de contrastes. Sus personajes, a primera vista, parecen atrapados en una especie de tragicomedia, donde lo dramático y lo jocoso se entremezclan de forma sorprendente.
La manera en que la artista logra sintetizar estas emociones opuestas en una sola imagen es realmente fascinante. Sus personajes parecen estar constantemente en una especie de lucha interna, mostrando unas contradicciones que se reflejan en sus gestos y expresiones faciales. Además, la paleta de colores vibrantes y la pincelada enérgica que poseen sus cuadros, le otorgan una fuerza y una vitalidad que atrapan al espectador desde el primer momento. Sus obras invitan a reflexionar sobre la dualidad de la existencia, sobre la inevitable coexistencia de lo trágico y lo cómico en nuestras vidas.
EMILIA S. ECHEZARRA:
Emilia, en su más reciente corpus de trabajo, nos presenta una síntesis evolutiva de su trayectoria artística. Una obra como la aquí presente contiene y sintetiza las diversas etapas de su desarrollo creativo, evidenciando una madurez que solo se alcanza a través de la introspección y la experimentación constante.
La formación académica de Emilia se manifiesta en la precisión técnica de sus obras. Hay un dominio del dibujo y la composición que sirve de cimiento a su expresión, permitiendo que la complejidad de sus temas fluya con naturalidad. Esta solidez técnica es el vehículo a través del cual su imaginación se despliega sin restricciones.
Más allá de la técnica, es la capacidad imaginativa de Emilia la que impregna sus cuadros de una profundidad y complejidad inusitadas. Cada pincelada es un reflejo de su mundo interior, un universo rico en simbolismos y narrativas que invitan al espectador a sumergirse en una experiencia contemplativa y reflexiva al mismo tiempo.
FELIPE ALARCÓN:
Sobre la serie Picasso Mestizo y su autor, no puede haber mejor descripción que la que hace Gregorio Vigil Escalera: «Felipe posee dentro de sí mismo un arte de vaciarse, de hacer que las transfusiones pictóricas se le impongan y le obliguen a sacarlas al exterior y a manifestarlas. Más que un reto, que sí que lo es, es un tránsito encadenado que necesita consumarse. Su trabajo de puesta en escena bascula entre la luz y la oscuridad, entre lo histórico en su temática y lo contemporáneo en su resolución plástica, entre lo figurativo y su pátina abstracta, entre colores fríos que se contaminan con los calientes y acentúan una realidad que todavía está viva y se proyecta en el espacio y en el tiempo, lo que queda de manifiesto si nos desplazamos, tal como nos invita cada pieza, de un modo diferente por su superficie.
Hay siempre intuición, búsqueda y determinación en la mano de Felipe. La alusión a esos personajes, además de ofrenda y solicitud, no es impostación en absoluto, sino el transcurrir a través de sí mismo de una continuidad fidedigna y artística».
GLISER FUENTES:
El díptico que nos presenta Gliser Fuentes es una de esas obras que resumen muchas otras dentro de la carrera de un artista. La creadora, que a menudo aborda acuciantes problemáticas sociales, suele emplear lo autobiográfico como un medio de encarnar aquellas contrariedades que atañen a muchas personas y especialmente a la mujer. A través de detalles vívidos y sutiles muestras de vulnerabilidad, sus piezas revelan la complejidad emocional de nuestra sociedad. Es una obra que, lejos de complacer, desafía al espectador y lo invita a reflexionar sobre los problemas existenciales más internos del ser humano.
YORDANIS GARCÍA DELGADO:
Para describir su más reciente trabajo, el artista nos aclara:
«La pintura digital no es más que una técnica que imita y simula a los medios tradicionales de arte para la elaboración de pinturas en un entorno digital, recreando así tanto herramientas (pinceles, plumillas, etc.) como medios (acuarelas óleos, tintas, etc.) y sustratos con diferentes tipos de papel o lienzos mediante el uso de softwares especializados en la ilustración. La aclaración (no IA) significa que no hay ninguna ayuda de la llamada Inteligencia Artificial, que puede crear o generar imágenes bien complejas.
Tanto en su trabajo desarrollado a través del grabado, como en su actual obra digital, el artista utiliza como modelos personas muy allegadas, aspecto que otorga a su trabajo un matiz autobiográfico».
JORGE LUIS LEGRÁ:
Legrá, en su nueva etapa, desafía y denuncia la violencia de género. Aborda el artista, de manera cruda y directa, el tema de la violación, inspirándose en el caso de La manada, uno de los crímenes más mediáticos y perturbadores de los últimos años. En esta serie, Legrá retoma su expresionismo violento característico, pero a su vez conserva algunos de los recursos de su etapa más realista. El resultado es una obra impactante que conmueve y confronta al espectador con la dura realidad de la violencia contra las mujeres.
El artista muestra un profundo respeto por la víctima, manifestando su empatía. Por otro lado, ataca a los victimarios, representándolos como animales salvajes y despiadados. A través de sus pinceladas y su uso del color, el artista logra transmitir la brutalidad y la injusticia del acto violento. La obra no solo busca denunciar la violencia, sino también generar conciencia y provocar un cambio en la sociedad; invita al espectador a reflexionar sobre las consecuencias de la violencia machista, y a tomar acción para combatirla. Una vez más, nos muestra su valentía y su compromiso con la justicia y la igualdad.
LAURA ACTIS DANNA:
Desde su página web la artista nos aclara: «En esta serie se han fusionado, mediante técnicas digitales, fotografía de desnudo masculino y pinturas de mandalas, utilizando una simbología occidental y oriental. Connotando así una fusión entre oriente y occidente».
Con la globalización, las culturas occidental y oriental están interactuando más que nunca en términos de comercio, medios de comunicación, tecnología y otras áreas, lo que ha creado más puntos de convergencia entre ambas formas de ver el mundo.
La obra de Actis Danna invita a sumergirse en un mundo de introspección y contemplación, un universo donde el tiempo se detiene y la mente se libera de las distracciones cotidianas. Sus creaciones, llenas de sutileza y elegancia, nos invitan a mirar más allá de lo evidente. En un mundo donde la prisa y el ruido son constantes, la obra de esta artista surge como un bálsamo para el alma, un refugio donde podemos recobrar la armonía perdida.
TONY GARAY:
Tony Garay desafía las convenciones del ensamblaje y la instalación. Su obra, caracterizada por una estética de la reutilización, invita a la reflexión y da vida a los objetos cotidianos. Se apropia de materiales desechados, otorgándoles una nueva narrativa. Lo que para muchos es residuo, se transforma en componente vital de su expresión artística. La alquimia de su proceso creativo reside en la habilidad de ver más allá de la función original del objeto.
Este diálogo visual entre el artista y la materia prima se convierte en un lenguaje silencioso que habla directamente al espectador, evocando emociones y recuerdos compartidos. Garay rechaza la complejidad innecesaria, optando por soluciones sencillas que resuenan con una sinceridad desarmante. Sus ensamblajes invitan a una contemplación despojada de prejuicios, donde la comunicación se establece a través de la experiencia sensorial y emotiva que sus obras provocan. La reinvención de lo cotidiano y la comunicación intuitiva se entrelazan para desafiar nuestras percepciones. Su obra es un testimonio de la capacidad del arte para transformar lo ordinario en extraordinario.
FRANCISCO MAGALLÁN
Francisco Magallán trasciende la mera condición de artista para convertirse en un explorador de lo espiritual. Considera que el arte es el vehículo para emprender tal exploración. De esta forma, su obra artística se despoja del rol impuesto por la sociedad contemporánea. Para él, el propósito del arte es similar al que proponía Andréi Rubliov: un ejercicio espiritual, un compromiso con el desarrollo humano que comienza por el automejoramiento.
Nos encontramos frente a un artífice que coloca la introspección como su máxima prioridad, en la búsqueda de su propia iluminación y emancipación. A través de su obra busca escapar de los tortuosos laberintos mentales; está convencido de que el tesoro más precioso reside en el interior, y que la búsqueda externa solo conduce a la disipación de energía y tiempo.
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