Liliam Cuenca

El dominio del valor tonal, el control sobre las gamas de color, las atmósferas logradas en un tipo de abstracción sumamente delicada y el temperamento que transmite, son algunos de los factores que caracterizan la obra de Liliam Cuenca (Cuba, 1944).

El uso de grandes masas de color puede ser una forma de crear impacto y expresión en la pintura, pero en este caso la artista va más allá, porque apuesta por la sutileza, elige susurrar en vez de gritar, y es por eso que su discurso artístico penetra suavemente en la mente del espectador, a través del disfrute suave de sus ojos. 

No creo que esta obra sea totalmente abstracta, incluso sus antecedentes los veo en pintores figurativos como el inglés William Turner, por aquellos paisajes que hacían sentir el viento en la piel. También por momentos me recuerda aquellos mares que pintaba Emil Nolde, pintor danés de nacimiento, pero muy alemán en más de un sentido. Claro, la pincelada de Nolde es muy expresionista, la de Liliam también lo es pero menos violenta, hay en ella una gestualidad más controlada, volcada hacia la intimidad. Estamos ante una pintura muy interna, que obedece a un mundo propio. 

La pintura puede funcionar como catarsis, es a ese camino al que apunta casi todo el expresionismo abstracto, pero aquí la pincelada es más meditativa, un tanto sosegada dentro de la propia gestualidad, y esto, aunque pueda parecer contradictorio, no solamente está, sino que la define, porque hay en ella un equilibrio entre lo pasional, y lo racional, que se manifiesta en el control de lo que pudiera parecer accidental. El equilibrio de la composición nos demuestra esta capacidad de moderación. No es que planee el gesto, pues son cuadros sueltos en los que la mancha fluye, lo que ocurre es que cuenta con un piloto automático que va vigilando donde detenerse, cuándo aplicar un poco más de blanco antes de que seque el azul. Intuición, se llama ese piloto, porque percibe y actúa sin que la razón bloquee el sentimiento. 

Otro aspecto que se opone a la idea de considerarla abstracta son los títulos. Es imposible dejar de relacionar con el mar un cuadro azul y blanco, con claras sugerencias de olas, y que además, para confirmar esta idea, se llame Waves. El uso del título condiciona al espectador a la hora de interpretar el cuadro. Observemos lo que ocurre en una obra como Step out the world, por ejemplo, frase imperativa que intenta convertir lo abstracto en narrativo. La artista sabe que no hay una abstracción químicamente pura —como tampoco hay una figuración químicamente pura— y se apoya en el título para resumir la idea o para sugerir una lectura. 

Duchamp creía que el título era más importante que la obra misma, y veía el arte como algo mental; sus ideas sobre este tema siguen vigentes en la actualidad. Y esto vale también para la abstracción más contemporánea, que aunque se pueda ver en un sentido «retiniano», también posee elementos de carácter conceptual e intenciones de comunicar con el espectador, elementos contenidistas que rebasan el aspecto decorativo y establecen vínculos espirituales muy precisos.