Bellas Artes
EL ESPECTADOR
La importancia del receptor en el arte
ARTÍCULO. (Versión digital)
El Espectador, muestra organizada por Artepoli en el Centro Cívico Barceloneta, se fundamenta en el papel crucial del receptor en el arte.
La exposición reúne una selección de artistas de varios países cuyas obras han sido publicadas en nuestras páginas durante los últimos años.
Con un enfoque que desafía la idea tradicional de una unidad temática, la muestra destaca por su apuesta a favor de poéticas orientadas hacia la comunicación y el intercambio significativo entre la obra y su audiencia. En este contexto, el título no podría ser más elocuente: coloca al espectador como protagonista esencial de la experiencia artística.
El arte contemporáneo ha evolucionado hacia un paradigma en el que la interacción comunicativa supera las fronteras entre creador, obra y receptor. Si revisamos la historia del arte, desde las teorías de la estética clásica expuestas por Aristóteles hasta los planteamientos vanguardistas de Marcel Duchamp, es evidente que la relación entre arte y espectador ha sido un terreno de exploración permanente. Sin embargo, en esta muestra internacional, integrada mayormente por artistas latinoamericanos, dicho vínculo alcanza un matiz especial. Los creadores aquí seleccionados no buscan únicamente provocar una admiración estética o conceptual, sino suscitar una conexión vital y profundamente humana.
En regiones del mundo donde las dificultades socioeconómicas marcan la vida cotidiana —como en muchos países de Latinoamérica— el arte se convierte en un vehículo de expresión que trasciende lo decorativo; frente a las limitaciones, se erige como un puente de comunicación para compartir preocupaciones, historias y esperanzas. En estos contextos, la función comunicativa del arte adquiere una urgencia particular, poniendo de manifiesto cómo las poéticas visuales se convierten en una herramienta de diálogo y resistencia cultural.
La exposición El Espectador reivindica esta función comunicativa al destacar obras que invitan al espectador a participar en el relato visual, a descifrar significados y a reflejarse en las narrativas propuestas. Cada pieza expuesta configura un espacio abierto para que el receptor construya su propio entendimiento, cuestionando su lugar dentro del discurso artístico. Así, los artistas, lejos de anclar sus intenciones en planteamientos cerrados, optan por una dinámica inclusiva que permite múltiples lecturas y experiencias.
Este enfoque no solo encuentra eco en los países subdesarrollados, también se manifiesta en el panorama global. Desde los murales de Diego Rivera, que dialogan con el pueblo, hasta las instalaciones de artistas como Doris Salcedo, cargadas de mensajes sociopolíticos, la comunicación con el espectador es una constante en el arte comprometido. La exposición El Espectador parece recoger esta tradición, adaptándola a un presente que demanda discursos más abiertos y colaborativos.
El Espectador no solo rinde homenaje al arte que comunica, sino que invita a una reflexión profunda sobre el papel del receptor en la creación de significado. Con esta muestra, Artepoli reafirma su compromiso con el arte como puente entre culturas, emociones e ideas. Es un llamado a ver la obra no solo como objeto de contemplación, sino como una conversación en continuo desarrollo, donde el espectador, lejos de ser un mero observador pasivo, se convierte en el núcleo activo del proceso artístico.
Artistas participantes:
IRÁN HERNÁNDEZ
Irán es un artista polifacético. Es cineasta, historietista, caricaturista, pintor… Y en todo lo que hace la función primaria es su comunicación con el receptor, a quien sacude con exquisito humor, a quien provoca e interpela, para hacerlo pensar y convertirlo en espectador activo. En estas pinturas, los vibrantes claroscuros monocromos aportan una densidad diferente a las otras áreas en las que se expresa. En un cuadro como La promesa, por ejemplo, la dimensión simbólica alcanza niveles casi abstractos, demostrando cómo se puede ser directo sin ser literal, estableciendo un nivel de comunicación profunda y ajena a lo obvio.
FABIAN LEONARDO FERNÁNDEZ CAEIRO
Fabian celebra la libertad creativa y la expresión emocional a través del gesto, sus retratos están formados por líneas rítmicas que trazan el claroscuro con una fuerza similar a la que aplicaban los artistas del rayonismo, movimiento caracterizado por las secuencias dinámicas de las líneas. El artista forma sus figuras con trazos firmes, sean paralelos o perpendiculares, convergentes o divergentes, definiendo así el espacio pictórico. Se trata de una obra accesible, cercana, que establece un diálogo íntimo con el espectador.
KANCIS
Al observar una creación de Kancis, el público se siente invitado a pensar y a descubrir un sentimiento, una circunstancia o un instante específico que el artista desea transmitir. Su trabajo, fundamentado en la sugerencia, crea una poesía visual que facilita la conexión de cada persona con sus propias experiencias. Cada elemento que selecciona tiene un simbolismo ya presente en nuestra cultura, y Kancis lo emplea de manera consciente para expresar su mensaje visual. El artista ha sabido filtrar muy bien sus influencias de los movimientos más atrevidos de las vanguardias artísticas del siglo XX, creando un lenguaje personal en el que la comunicación es protagónica.
CRISEL LO
La artista presenta en su serie El peso de las ideas la complejidad de la realidad social que la envuelve, capturando la inestabilidad que surge de los intentos desesperados por resolver problemas de gran magnitud. Sus cuadros reflejan cambios económicos repentinos y el contraste entre la esperanza y la confusión. Crisel aborda estos problemas a través de una dinamización de la imagen que se conecta con su entorno, igualmente variable y diverso. El título de la serie, a través de dos significados diferentes de la palabra «peso», juega un papel importante en la comunicación con el espectador.
CARLOS MANUEL GARCÍA SANTIESTEBAN
En su propuesta, Carlos Manuel logra un sorprendente acercamiento con el espectador a través de su juego con el espacio. La obra no es, como en el caso de un cuadro convencional, una ventana por donde mirar, sino un objeto que nos pertenece, que sentimos que podemos tocar. Esta alusión a lo táctil se logra a través de la tridimensionalidad de sus ensamblajes y la vibración del color.
La superficie de fondo se integra como parte esencial de la composición, y al carecer de una delimitación clara, como podría ser el formato rectangular, extiende su influencia hacia todo el entorno que la rodea. Este fondo no solo forma parte de la obra, sino que también se proyecta más allá de sus límites, apropiándose del espacio circundante y transformándolo en una extensión de la pieza misma.
WILLIAM RIERA
En un mundo donde el tiempo parece evaporarse frente a nuestros ojos, el fotógrafo William Riera se aventuró a explorar la esencia de cada día con un proyecto tan sencillo como revelador: un diario fotográfico de 365 imágenes, una por cada jornada durante un año. Este acto de registrar cotidianamente una instantánea fue mucho más que un ejercicio técnico o documental; fue una conversación constante y enriquecedora entre el creador y la fotografía misma, bautizada como Kaleidoscope.
A través de esta colección de imágenes diarias, el artista logró transformar la rutina en un lienzo dinámico para la introspección y el descubrimiento creativo. Cada foto tomó forma como un reflejo del momento vivido y al mismo tiempo como un portal hacia el interior de su universo artístico.
MAGÍN PÉREZ ORTIZ
La propuesta artística de Magín destaca por su exploración de los conflictos inherentes entre la visión íntima del creador y las dinámicas sociales que lo moldean. A través de un lenguaje profundamente autorreferencial, sus obras —que abarcan tanto la pintura como la instalación— funcionan como un espejo de su identidad personal. Al mismo tiempo, operan como metáforas poderosas de los sistemas de poder y las jerarquías que estructuran nuestra realidad contemporánea. Cada trazo y elemento narrativo en su producción parecen dialogar con las tensiones del status quo, desafiando sus múltiples capas de organización y estratificación social.
En la obra aquí expuesta el artista hace un guiño a Magritte, quien escribía en sus cuadros palabras incongruentes con los objetos representados, como una forma de cuestionar la relación entre lenguaje, imágenes y realidad. Mediante este recurso heredado del artista belga, Magín nos recuerda cómo la palabra influye en nuestra percepción, induciendo la interpretación del espectador por un camino a la vez directo y ajeno a lo literal.
MI-CHA
La producción visual de esta artista explora diferentes configuraciones de la imagen fotográfica en yuxtaposición con una gestualidad heredada del expresionismo abstracto. Contiene a su vez elementos del graffiti, recurso que le da un sabor urbano a las imágenes, su colorido espontáneo nos remite al punk, a la irreverencia que encarna el arte cuando tiene, al decir de Fito Paez, las defensas altas.
Su enfoque creativo no se limita a reproducir los colores originales, sino que los reinventa deliberadamente, manipulándolos para generar efectos de transparencia que facilitan una interacción fluida entre las imágenes reales y las intervenidas. Este diálogo visual, que aparenta sencillez y naturalidad, es el resultado de un intrincado proceso de creación, desarrollado con dedicación y esfuerzo minucioso, que subraya la profundidad de su propuesta artística.
ÁNGEL ALONSO
Ángel Alonso aborda las contradicciones de la cultura occidental, investiga y reflexiona sobre la condición egocéntrica del individuo en la sociedad, sus necesidades artificiales, y su afán de protagonismo. Sobre la obra de este creador, la artista Hanna Chomenko ha expresado:
«La representación de la figura humana es tremendamente sintética, inspirada en la señalética con que el diseño industrial alude al ser humano para orientarlo en los espacios públicos, su ser humano es simbólico, anónimo la mar de las veces, pues generalmente no repara en rasgos faciales distintivos. En este sentido su obra es paradigmática, en tanto logra captar los rasgos esenciales de ese “animal de asfalto” desarraigado de sus relaciones primigenias con el medio y con sus iguales».
ABELARDO MOLINA
La obra de este creador se erige sobre una meticulosa composición y transformación de formas, concebidas a través de la interacción entre distintos planos sobre superficies de diferentes materiales. En sus creaciones, la línea sensual se convierte en el eje estructural, reflejando un equilibrio cuidadosamente explorado. Este predominio de la línea se enriquece mediante una variada gama de texturas táctiles que añaden profundidad y complejidad al resultado final. Todo ello está íntimamente ligado a un compromiso con los principios estéticos que guían su propuesta artística.
En su obra se manifiesta una notable influencia del surrealismo y del abstraccionismo, que conviven en armonía con elementos representativos de la figuración. Su enfoque, profundamente introspectivo, otorga a su obra un carácter singular y auténtico que invita a una reflexión estética y conceptual. Abelardo suele acompañar sus esculturas con textos que esclarecen sus intenciones. Se trata de una obra contenidista, en la que prima la comunicación con el espectador.
NAJI JAMIL ZAITER
La pintura de Zaiter posee una asombrosa capacidad de síntesis; basándose en la herencia del expresionismo, este artista atiende a los sentimientos más internos del ser humano. Es una obra que logra una comunicación íntima con el espectador. Se caracteriza por un uso audaz y dramático en las tonalidades, procedimiento que trasmite una fuerte carga emocional.
En sus composiciones, las figuras humanas adquieren texturas que evocan superficies de madera o piedra, recurso que amplifica el carácter simbólico y enigmático de su obra. Estas características permiten que sus pinturas trasciendan lo tangible, invitando al espectador a reflexionar sobre la profundidad del ser y las conexiones humanas en un nivel más universal y metafísico.
JUAN MANUEL HERNÁNDEZ FUENTES
Juan Manuel construye su obra día tras día, haciendo gala de su destreza técnica en la disposición de los colores y manteniendo su paleta impecable. En su asombroso Arca de Noé, reúne todos los cómics del mundo, tratando con la misma atención a figuras como John Lennon y Mafalda. Así, logra armonizar las verdades más diversas dentro de la estructura uniforme de una composición al estilo de Andy Warhol. En las obras que aquí presenta asistimos a una paródia de las obras de Warhol que a su vez satirizaba la sopa Campbells como símbolo de consumo. La importancia que otorga el artista a su diálogo con el espectador es evidente. Y el recurso principal para esta comunicación con el receptor es el humor.•
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