Bellas Artes
Descubrir a Ametza Irizar es asistir al equilibrio imposible entre el rigor de la ciencia y el vértigo del arte. Biotecnóloga de formación y artista por necesidad vital, Irizar ha tejido una trayectoria singular que la ha llevado a exponer en ciudades como Budapest, Viena o Barcelona. Autodidacta e intuitiva, sus pinceles se mueven entre lo onírico y lo simbólico, y su obra, profundamente marcada por la introspección y el feminismo, es un espejo donde se entrelazan belleza, resistencia y una espiritualidad sin concesiones.
Mi acercamiento a su obra se dio en el marco de una exposición internacional que cubrimos recientemente, en la que participaba con un lienzo titulado AKA. Una pieza de gran formato que, no solo por su escala, sino por su potencia expresiva, sobresalía con claridad entre todas las presentes. Ametza, artista de trato afable y mirada inquieta, nos conquistó primero con la obra y después con su manera de habitar el arte. Fue entonces cuando decidimos hacer un seguimiento más cercano a su producción, lo que nos llevó a descubrir su proyecto Venus.
La obra que aquí nos convoca lleva por título Venus (óleo sobre lienzo, 325 x 225 cm). Pintada recientemente, esta pieza se presentará en la próxima exposición de la artista en Toolip Art Gallery, Viena, comisariada por los reconocidos curadores Carlos y Mrs. Toolip, habituales colaboradores de esta revista y actores clave en la escena contemporánea centroeuropea.
En esta Venus no hay espuma ni gloria renacentista. Lo que vemos es una figura femenina central, autorretrato de la artista, que se presenta atada simbólicamente por una red negra que marca su cuerpo como si fuera una estructura anatómica inversa. A sus lados, dos figuras suspendidas, flotantes y cabizbajas, acompañan la escena como si fueran pensamientos colgantes: alegorías de la dualidad femenina, del sometimiento voluntario, del disfraz de la libertad.
La obra formará parte de una muestra individual que reflexiona sobre el empoderamiento y sus máscaras, en una propuesta curatorial que no teme confrontar al espectador con sus propias contradicciones. En este contexto, Venus aparece como una pieza central, un manifiesto pictórico que cuestiona las formas de esclavitud contemporánea del cuerpo femenino, tanto impuestas como asumidas.
Este análisis se centrará en desentrañar las capas simbólicas, formales y conceptuales de Venus, entendida no como una imagen estática, sino como una crítica feroz —y bellamente ejecutada— a la ilusión de libertad en la figura femenina contemporánea.
La composición, organizada en tres cuerpos femeninos dispuestos horizontalmente, desafía el eje tradicional de lectura vertical. La figura central, frontal y monumental, se sitúa dentro de una gran concha rosada que remite directamente al arquetipo venusiano, aunque subvertido: aquí no hay nacimiento, sino contención. Ametza se representa serena, pero sus brazos están ausentes y su torso marcado por un arnés negro, que puede leerse como metáfora de un corsé emocional o como un símbolo BDSM que interroga la frontera entre placer y opresión.
A ambos lados, las dos figuras colgantes se integran en un fondo negro estrellado, lo que confiere a la escena una dimensión cósmica, casi teatral. El uso del color es deliberadamente contrastado: la calidez de los cuerpos desnudos frente a los negros siderales, el rojo visceral del cabello, el rosa carnal de la concha, el amarillo y violeta de la figura derecha, en un juego cromático que intensifica la carga dramática de la obra.
El tratamiento del óleo es suave pero preciso. La artista utiliza degradados gruesos para dar volumen al cuerpo sin recurrir al hiperrealismo, conservando una expresividad casi ilustrativa que potencia el simbolismo. La luz es difusa, sin una fuente clara, como si surgiera desde dentro de los cuerpos, especialmente en el rostro central, que irradia una serenidad inquietante.
La concha de Venus, tradicional símbolo de nacimiento, feminidad y belleza, aquí se transforma en una prisión sensual. La cuerda o red negra que envuelve a la protagonista es la gran metáfora: ¿está siendo sujetada por otros o se ha atado a sí misma? Las figuras laterales —una con cabello rojo, la otra en vuelo suspendido con telas— representan probablemente aspectos fragmentados del yo, atrapados en distintas formas de sumisión o agotamiento.
En palabras de la artista, esta Venus es una denuncia a la sumisión femenina, tanto externa como autoimpuesta. El autorretrato no es narcisista, es catártico: la artista se sitúa en el centro de su obra para señalar que la lucha por la libertad es, muchas veces, una lucha contra los propios espejismos.
Esta obra no es un canto a la belleza; es una interrogación directa y elegante sobre el precio de la misma. Ametza Irizar, con una valentía que rara vez se ve en el arte contemporáneo figurativo, se expone —literal y simbólicamente— para hacernos reflexionar sobre cuántas de nuestras cadenas son heredadas y cuántas elegidas. La pieza, lejos de ofrecer respuestas, propone un diálogo. Y lo hace con una estética magnética que no permite apartar la mirada.
Bellas Artes
Discovering Ametza Irizar is witnessing the impossible balance between the rigor of science and the vertigo of art. A biotechnologist by training and an artist by necessity, Irizar has woven a unique career that has led her to exhibit in cities such as Budapest, Vienna, and Barcelona. Self-taught and intuitive, her brushes move between the dreamlike and the symbolic, and her work, deeply marked by introspection and feminism, is a mirror where beauty, resistance and uncompromising spirituality are intertwined.
My approach to his work occurred within the framework of an international exhibition that we recently covered, in the who participated with a canvas titled AKA. A large-format piece that, not only for its scale, but for its expressive power, clearly stood out among all those present. Ametza, an artist with a friendly manner and a Restless, she conquered us first with her work and then with her way of inhabiting art. It was then that We decided to follow his production more closely, which led us to discover his Venus project.
The work that brings us together here is entitled Venus (oil on canvas, 300 x 200 cm). Painted recently, This piece will be featured in the artist’s upcoming exhibition at Tolip Gallery, Vienna, curated by the renowned curators Carlos and Mrs. Toolip, regular contributors to this magazine and key players in the contemporary Central European scene.
In this Venus, there is no foam or Renaissance glory. What we see is a central female figure, a self-portrait. of the artist, who appears symbolically tied by a black net that marks her body as if it were a inverse anatomical structure. On its sides, two suspended, floating, bowed figures accompany the scene as if they were hanging thoughts: allegories of feminine duality, of voluntary submission, from the disguise of freedom.
The work will be part of a solo exhibition that reflects on empowerment and its masks, in a curatorial proposal that is not afraid to confront the viewer with his own contradictions. In this In this context, Venus appears as a centerpiece, a pictorial manifesto that questions the forms of slavery contemporary of the female body, both imposed and assumed.
This analysis will focus on unraveling the symbolic, formal and conceptual layers of Venus, understood not not as a static image, but as a fierce—and beautifully executed—critique of the illusion of freedom in the contemporary female figure.
The composition, organized in three female bodies arranged horizontally, challenges the traditional axis of vertical reading. The central figure, frontal and monumental, is placed inside a large pink shell that refers directly to the Venusian archetype, although subverted: here there is no birth, but containment. Ametza is represents Serena, but her arms are absent and her torso is marked by a black harness, which can be read as a metaphor for an emotional corset or as a BDSM symbol that questions the border between pleasure and oppression.
On both sides, the two hanging figures are integrated into a starry black background, which gives the scene a cosmic, almost theatrical dimension. The use of color is deliberately contrasted: the warmth of the bodies naked in front of the sidereal blacks, the visceral red of the hair, the carnal pink of the shell, the yellow and violet of the right figure, in a chromatic play that intensifies the dramatic charge of the work.
The oil painting is soft yet precise. The artist uses gradients to give volume to the human body, without resorting to hyperrealism, maintaining an almost illustrative expressiveness that enhances the symbolism. The light is diffuse, without a clear source, as if emerging from within the bodies, especially in the central face, radiating a disturbing serenity.
The Venus shell, traditional symbol of birth, femininity and beauty, is here transformed into a prison sensual. The black rope or net that surrounds the protagonist is the great metaphor: is she being held by others or has she tied herself? The side figures—one with red hair, the other in suspended flight with fabrics—probably represent fragmented aspects of the self, trapped in various forms of submission or exhaustion.
In the artist’s words, this Venus is a denunciation of female submission, both external and self-imposed. The self-portrait is not narcissistic, it is cathartic: the artist places herself at the center of her work to point out that the struggle for freedom is, many times, a fight against one’s own mirages.
Venus is not a hymn to beauty; it is a brutal and elegant interrogation of its price. Ametza Irizar, with a A courage rarely seen in figurative contemporary art is put on display—literally and symbolically—to make us reflect on how much of our chains are inherited and how much are chosen. This work, far from Offering answers, it proposes a dialogue. And it does so with a magnetic aesthetic that makes it impossible to look away.•
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