El filósofo alemán Theodor Adorno sostenía que el arte auténtico no debe limitarse a complacer al espectador, sino que debe confrontarlo y perturbarlo, haciendo que se cuestione sus propias creencias y percepciones; manifestaba que la obra de arte debe ser una experiencia que nos sacuda y nos haga reflexionar sobre nuestra existencia y nuestro entorno. ¿Acaso lo desagradable no puede ser también una forma de trasmitir ideas y emociones? Esta reflexión nos lleva a cuestionar los límites de la estética tradicional y a considerar que lo grotesco, lo perturbador o lo incómodo, pueden ser válidos en la comunicación artística.

La obra de Miguel Ángel Salvó (Holguín, 1971) es inclusiva, anti-dogmática; en ella cabe lo mismo una figura recogida de la observación que otra imaginada, conviven aquí la realidad y la fantasía, lo tangible y lo intangible. Casi nunca encontramos un creador cuya estructura mental sea tan amplia como para fagocitar tanta información —externa e interna—y condensarla en imágenes intencionalmente irritantes. Sí, un cuadro puede ser al mismo tiempo repugnante y hermoso, como el Saturno devorando un hijo, de Goya. Y es que lo desagradable nos sacude, nos despierta, nos interpela. 

Salvó aglutina —en una suerte de ensamblaje dinámico y a través de complejas conexiones entre los más variados referentes— todo aquello que le permite expresarse desde las más inimaginables honduras de su ser. Manifiesta el artista que concibe su obra como una pintura cristiana, no en un sentido tradicional, ni  mucho  menos contenedora de obviedades fáciles de interpretar, sino «metida en los debates filosóficos contemporáneos de los apologistas cristianos». Conociendo esta complejidad y sabiendo que, como dice Cortazar, el espectador se encuentra «al otro lado del puente» no intenta controlar su recepción, sino que rehuye de todo tipo de didactismo y plasma, con destreza y control, la avalancha de pensamientos que pasan por su mente, mediante todo lo que puede retener de las imágenes que capta. 

Esta actitud, en la que diversos recursos se agolpan unos a otros, como las penas de una vieja canción(1), influye en la cualidad provocadora de su aparente hermetismo. Es la pregunta lo que interesa al artista, no aquella respuesta fácil de las obras panfletarias, es el cuestionamiento lo que enaltece su muy especial manera de comunicarse. Y esto sucede de manera natural, porque se trata de una acción sin artificios. Por muy racional que parezca, no se trata de una estrategia que persiga un fin determinado, sino un lanzamiento múltiple de su propuesta al campo de todas las posibilidades, esa área infinita de la que hablan los físicos cuánticos. Y es que podemos encontrar en un mismo cuadro varias realidades paralelas, encarnadas en diversas herencias de la historia del arte. 

Su juego es lanzar los dados, el del espectador es desarrollar la partida; pero sabe que las probabilidades pueden medirse y solo en apariencias son infinitas. Su falta de trucos es su truco, su transparencia es su fortaleza. Y es que cuando una imagen crece desde las vísceras no deja espacio para las poses. Salvó no pone una carnada para que mordamos el anzuelo: lo muestra directamente. Lo curioso es que igualmente lo mordemos.