Artepoli a La Bòbila

La revista Artepoli ha consolidado una tradición de organizar exposiciones con los artistas que presenta en sus páginas, y este proyecto se fundamenta en establecer sinergias entre el Centro Cultural La Bòbila y nuestra publicación. Uno de los ejes fundamentales que une a ambas entidades es el compromiso por promover la interacción social en el ámbito de la creación artística. Esta perspectiva refuerza la concepción del arte como vehículo para la comunicación espiritual entre los individuos, en contraposición a la noción anacrónica purista y elitista del artista aislado, concebido como un genio intocable e idealizado.

Es innegable que la principal actividad del Centro se orienta hacia el fomento de la creación local, mientras que nuestra revista colabora con artistas de diversas latitudes. Sin embargo, compartimos un interés subyacente por la creación que surge de los barrios; estas células sociales constituyen los fundamentos de un organismo cultural más amplio y representan espacios humildes donde la creatividad se manifiesta de forma auténtica y saludable.

La exposición que proponemos presenta una selección de artistas de diversas partes del mundo, lo que enriquece el evento a través de su pluralidad. Esta muestra tiene el propósito de facilitar la interacción entre los expositores, procedentes de distintos contextos culturales, y los creadores y espectadores del barrio. Se trata de una exhibición abierta, sin una temática delimitada, cuyo hilo conductor es la participación de artistas que han sido destacados en nuestras páginas y que buscan difundir su obra en espacios como La Bòbila, que se distancian de los intereses comerciales de las galerías y valoran el arte en su dimensión espiritual y su impacto social.

Débora Lamarca Alastuey

Esta obra es representativa de la propuesta artística de la artista, de su investigación sobre el peso y la orientación del trazo en una superficie que funciona como campo energético. Se estructura la misma a través de una superposición de manchas rectangulares sólidas, realizadas en tonalidades densas y sobrias que generan un sabor matérico, en el que cada fricción del pigmento produce una tensión.

Lejos de representar un espacio lo construye, a través de impulsos gestuales que encuentran equilibrio en el lienzo, como resultado de un contrapunto entre fuerzas opuestas. Lo compacto de algunas zonas del cuadro cohabita con áreas más accidentadas, pobladas de texturas que remiten a la erosión, a lo desgastado. La composición se comporta como un mapa de energías, cuya leyenda habríamos de decodificar a través de la recepción sensorial de la obra, más allá de la razón, más allá de toda explicación. El gesto es aquí una huella de una exploración: nos hace reflexionar sobre el balance entre la densidad de la materia y su movimiento.

Ricky Freijó

En Umbral el personaje posee una actitud introspectiva, se protege en un gesto de contención que delimita su espacio personal; se abraza a sí mismo en un acto que se traduce en defensa y cuidado. Se respira tensión en su estado emocional, una violencia quiere aflorar pero se contiene. Se trata de lo interno en contraposición con lo externo. Los ojos miran hacia abajo, el ceño está fruncido, como si estuviera bajo el influjo de una preocupación paralizante. El sujeto lucha en su interior, envuelto en un conflicto emocional. La obra sugiere un específico estado de ánimo.

La herencia expresionista le sirve a Freijó para expresar este estado psicológico, en el que el miedo genera violencia. El color se presenta mediante el gesto, pero es el dibujo quien confirma la intención del artista; la línea oscura que define la figura actúa como una suerte de estructura, un andamiaje que ordena los apasionados gestos y evita que la figura se diluya entre las manchas de color. Las líneas negras aportan solidez a la pieza. Se siente la proximidad del sujeto protagónico, que se manifiesta estable y cercano al espectador. Hay zonas compactas y otras casi transparentes en la superficie del cuadro. Las pinceladas se superponen, la textura de la cartulina se aprovecha y el ritmo de los trazos se traduce en una seductora armonía.

Jesús Redruello

Desde el centro de la superficie emergen formas ovaladas que flotan contrarrestando el peso de los bloques de color rectangulares; se crea aquí una integración entre lo orgánico y lo hierático, entre la suavidad y la dureza, entre lo amorfo y lo geométrico… Esto crea en el espectador un estado meditativo silencioso, porque las formas oscilan entre la expansión y la contracción. Las transparencias aportan una sensación de profundidad, provocando lecturas infinitas.

Hay contrastes cromáticos de gran intensidad. Los planos de color generan un ritmo interno que denota la transformación de una energía subyacente. Deliberadamente gestual y accidentada, las pinceladas construyen una textura que nos invita a desplazarnos por la superficie, como si esta fuera un territorio imaginado.

El color es aquí el protagonista, pero no solo a nivel formal, también a nivel conceptual, porque modela lo que sentimos al observar el cuadro. La interacción entre manchas que se interrumpen y erosionan, las tensiones espaciales de los objetos que se combinan creando una fuerte armonía, las líneas que intentan encerrar las manchas que se expanden… edifican un paisaje interno que refleja los estados de ánimo y la búsqueda de equilibrio que nos trasmite el autor.

Eloy Añez Marañón

Eloy Añez Marañón es un pintor nacido en la selva amazónica boliviana y su obra está vinculada a sus orígenes. La obra aquí presente se caracteriza por un complejo entramado compositivo; la fragmentación geométrica y la simbología construyen una narrativa que encarna una identidad colectiva. Edificando un entramado que procesa la herencia cubista, Eloy logra que cada figura se integre en un tejido visual que alude a la interdependencia entre el mundo natural y los seres humanos. Los rostros, lejos de estar aislados, se diluyen y recomponen mediante planos que dialogan y se entrecruzan, como si cada identidad fuera al mismo tiempo individual y colectiva. La paleta, de colores fuertes, opera como expresión de vitalidad. Se establece aquí un cosmos en el que la naturaleza y el ser humano se integran en una sola entidad narrativa.

Los animales del Amazonas, los motivos geométricos y las texturas, así como las frases escritas, forman una constelación de enorme dimensión semántica. La obra adquiere una connotación de resistencia y admite ser leída desde un punto de vista político.

Gijs Ambrosius

La obra Driver de Gijs explora la frontera entre lo onírico y lo arquetípico, donde la forma más allá de representar, evoca. El artista denomina sus piezas «prefiguraciones», término que sugiere una génesis anterior a la imagen misma: un estadio embrionario del símbolo, aún no racionalizado por la conciencia. En este lienzo, el cuerpo cromático —una amalgama de rosados, verdes ácidos y amarillos incandescentes— parece emerger de un magma inconsciente, como si la materia pictórica fuese la huella de un impulso primario. La figura del centro, a medio camino entre lo orgánico y lo mecánico, remite al automatismo psíquico de los surrealistas y a la gestualidad del expresionismo abstracto, pero con una conciencia contemporánea del color como campo energético.

Driver articula una tensión entre el control del pigmento y su deriva azarosa, evocando la luminosidad sintética de un paisaje interior. El fondo azul, plano e inmutable, actúa como un espacio mental donde la figura se despliega. La obra propone una lectura del impulso creador como movimiento entre la pulsión y la forma, entre lo amorfo y la imagen. Gijs pinta el instante en que lo imaginado se materializa, haciendo visible el tránsito mismo del inconsciente al signo.

Amparo Modino

La obra de Amparo Modino sintetiza la iconografía pop y la tradición pictórica del retrato. En esta pieza sobre Lady Gaga, la artista captura la expresividad inconfundible de la cantante, empleando una paleta casi monocromática para la figura que se opone a la intensidad cromática del fondo. El dramatismo del gesto se potencia mediante el uso de la luz y el detalle, haciendo énfasis en la boca entreabierta y la mirada penetrante, subrayando la teatralidad inherente al personaje representado. El encuadre fragmentado —centrado en un primer plano del rostro— despoja a la figura de cualquier contexto narrativo, encarnando un símbolo de la cultura visual de nuestro tiempo. El rojo anaranjado vibrante, con atractivos destellos en forma de pequeñas manchas casi circulares, define una atmósfera psicodélica que nos hace ver a la estrella como un ser luminoso, extraterrenal. Modino no se limita a representar a Lady Gaga en cuanto a su condición de celebridad, más bien la reinterpreta como un arquetipo de la feminidad empoderada, transgresora y audaz.