PEDRO DE ORAÁ; MUCHO MÁS QUE UN PINTOR CONCRETO

Theo Van Doesburg, en su manifiesto sobre la pintura concreta, apunta a excluir de ella todo tipo de analogía con la realidad. El artista, despojado de la condición mimética de la representación, podía ser al fin libre y dialogar con el espectador a partir del color y las formas. Si concebimos que un plano amarillo, un círculo azul o un rectángulo, son lo que estamos viendo y no otra cosa, entonces no hay manera de «no entender» la propuesta del creador; cuando estamos frente a lo que «es», estamos frente a lo «concreto».

Esta posición radical, aquello de que lo pintado (o esculpido, o grabado…) no suponga ser nada más que el material aplicado, fue otra de las utopías de los movimientos de vanguardia, otro de aquellos idealismos que tanto enriquecieron el arte en su devenir histórico. Si consideramos al receptor como miembro integral de ese as de relaciones que constituye el proceso comunicativo inherente a la obra de arte, no es posible evitar que aquello que ve lo relacione con lo que ya conoce y que lo interprete asociándolo con aquello que ya ha visto. Si ante un espectador contemporáneo con un mínimo de información histórica y geográfica, coloco un círculo rojo contra un fondo blanco, lo más posible es que piense en la bandera de Japón, por más que yo intente que sólo vea un círculo. Partiendo de este pensamiento podemos decir que Pedro de Oraá (La Habana, 1931-2020) es mucho más que un pintor concreto.

UNA OBRA MÚLTIPLE Y FECUNDA

Estar ante una obra de Pedro es, además de un regocijo, un ejercicio de aprendizaje. Sus cuadros constituyen una fuente de conocimiento de la que emanan enseñanzas sobre diseño, armonía, equilibrio… Se cultivan, además de los sentidos, las más impacientes neuronas, pues estamos ante cuadros cuyos elementos están organizados con tal precisión que cada uno de ellos sostiene el resto de la estructura. 

Si hay un tono azul a la derecha, que de forma aislada ya resulta atractivo por su mezcla, eso condiciona que el color vecino de la izquierda tenga ese otro tono, insustituible en ese espacio; y lo mejor de todo es que llega a tales modulaciones a causa de una intención poética intrínseca a su producción, más allá de los posibles cálculos y razonamientos inherentes al diseño del espacio pictórico, más allá del lado matemático que caracterizan sus geométricos y simbólicos signos.

Quizás fue el artista más prolífico y flexible de Los diez pintores concretos. En cuanto a la fecundidad le ayudó mucho sobrevivir al resto del grupo y relacionarse con creadores mucho más jóvenes, nuevos pintores abstractos y no abstractos que lo seguían y admiraban; en cuanto a lo flexible pienso que su actitud abierta estuvo determinada por su condición de escritor. El acto de escribir hace más consciente la práctica de cualquier manifestación artística; el dominio de la palabra no permite al artista-escritor zafarse de la conceptualización de su propia producción, de manera natural siente la necesidad de auto-explicarse, de cuestionarse qué es lo que hace y por qué. Ésta introspección está condicionada por haber sido crítico y ensayista. Si para hacer su trabajo de crítico se detenía a analizar la obra de otros autores entonces es obvio que también necesitase analizar la suya y ser consciente hasta la médula de su propuesta artística, no podía darse el lujo de ser «bruto como un pintor», como decía Duchamp.

Pedro, por ser tan múltiple, polifacético y diverso, se veía a sí mismo lejos de etiquetas como pintor, diseñador, ensayista, poeta…Siempre tuvo la humildad de no considerarse un «genio» sino una persona que tenía ideas, y buscaba, según fuesen esas ideas, el medio más idóneo para expresarlas. Incluso dentro de su pintura no se mantuvo estrictamente abstracto, también pintó bodegones y retratos.

Con frecuencia limitaba su paleta a escalas monocromáticas o exclusivamente a un color neutro. El uso de estas estrategias aportan una cualidad de elegancia a sus cuadros que nos llevan a rescatar ese espacio perdido en el arte contemporáneo, esa plaza envilecida por las impresiones digitales que se están comiendo todo: La pared de la casa. Sí, porque por más que se critique la función decorativa del arte -al relacionarla erróneamente con lo superfluo- ésta estará siempre presente, como una necesidad humana. Y en un mundo tan abarrotado de pantallas líquidas como al que estamos asistiendo, vuelve a ser un exclusivo descanso para nuestros ojos posarlos en una tela pintada con el rigor y la maestría de Pedro de Oraá.